"SHOCKING BLUE"

Comisariado, Pantocrator Gallery.

La realidad del “género” no es sólo el tipo de cosas que los humanos piensan, esta cosa es particularmente rica y diversa.  La identidad de género de una persona también es diversa.  El cuerpo físico de una persona puede ser diferente del cuerpo mental interno.  Tú también puedes ser heterosexual, homosexual o bisexual.  Un llamado “hombre” en la estética secular puede ser una chica en su corazón, y puede gustarle las chicas. Desde el mundo exterior, es heterosexual, pero en realidad es homosexual.  Así que si la llamada chica que le gusta a un “hombre” es una “mujer”, son en realidad heterosexuales.  La esencia no es lo que el mundo exterior ve.

Las “hormonas sexuales” de una persona son en realidad diversas, con ambos estrógenos, parte asexual, parte trascendental, y parte transgénero… Esto puede estar en la misma persona.  De hecho, en la mayoría de la gente, incluso todos son andróginos.  Es sólo que las cosas en el interior de las personas a menudo son suprimidas por los valores sociales.  El crecimiento humano y el entorno de vida también han jugado un papel muy importante, inspirando y suprimiendo el verdadero carácter de los seres humanos.  La mayoría de la gente no tiene esta autoconciencia para conocer el verdadero yo.  La verdadera “naturaleza” de la vida no es sólo el género físico, sino también el género psicológico, y el género social, y el género espiritual que entra en nosotros. Es el género en nuestra concepción, el género del pensamiento, y el género de la naturaleza, el género del alma.

Esta muestra esta comisariada por Pantocrator Art Gallery.

Han Being creció en una aldea empobrecida en la China rural. Después de quince años de trabajo en las zonas rurales, en Pekín, se sintió conmovido por el duro contraste entre el “sueño chino” urbanizado que impulsaba la lucha de la nación por convertirse en “moderna”, y las crueles realidades de los que quedaron atrás, o fueron pisoteados en esta estampida. Explorando las luchas y deseos de la gente común en el “teatro de la modernización” de China, sus obras invierten la práctica diaria, reinventan los objetos cotidianos y nos piden que repensemos el orden de las cosas. Las obras de Han Bing están dedicadas a la práctica social del arte. En la serie “Movimiento de Nueva Cultura”, trabajadores, familias e incluso escolares, se paran frente a casas a medio construir, obras de construcción y patios escolares, ladrillos levantados en la mano como pequeños libros rojos. Aunque repudiado por la sociedad urbana “ascendente” como “atrasado”, el humilde ladrillo sigue siendo lo mejor que pueden esperar las familias rurales. Con sus dolorosamente limitados medios, las familias rurales deben a menudo decidir entre un hogar matrimonial o una educación superior para su hijo (las hijas rara vez reciben ninguna de las dos cosas), lo que indica el surgimiento de una nueva cultura de la construcción a expensas de la educación, una fijación en la posesión privada, un intento casi desesperado de acordonar un espacio privado para llamarlo propio, y el sueño quizás ilusorio de formar parte de la clase propietaria en una “sociedad de modesta prosperidad” que niega sus pretensiones de pertenencia, traicionando la distancia entre las fantasías oficiales de la modernidad china y la experiencia de la mayoría de ella. Durante los años 80, las construcciones de ladrillo eran un símbolo nacional de la modernidad, una promesa de una nueva vida y una sociedad de prosperidad modesta (xiaokang shehui). Pero justo cuando la China rural empezaba a pasar de casas de paja, barro y piedra, a casas de ladrillo, los ladrillos se declaraban anticuados y atrasados. La nueva norma se convirtió en el rascacielos de acero, hormigón y vidrio, inalcanzable para los pobres de las zonas rurales, y un recordatorio de su creciente marginación.

En los últimos años, ha incorporado el tema del Género, empezando por su propio cuerpo a su discurso estético.

PANTOCRATOR GALLERY

Pantocrator Gallery es un proyecto para la difusión y producción de arte contemporáneo de artistas emergentes internacionales en cualquiera de sus disciplinas. Actualmente Pantocrator Gallery, como proyecto nómada que es, tiene su sede física en la ciudad china de Suzhou, dejando en el camino ciudades como Barcelona, Berlín o Shanghai en las que siguen trabajando puntualmente.

Pantocrator Gallery trabaja como puente cultural entre Asia y Occidente y actualmente cuenta con un programa propio de residencias en colaboración con Industrial Park Square Culture de Suzhou, donde acoge a artistas internacionales para que realicen periodos de residencia y puedan nutrirse de nuevas influencias y oportunidades. 

Berdache

Nace un festival de artes visuales y escénicas que presenta como temática central y única el genero y la identidad. Su primera edición tendrá lugar del 7 al 10 de octubre en Hospitalet de Llobregat.

Berdache [Gender Art Festival] es una propuesta en la que el arte se convierte en el eje vertebrador para transitar por las temáticas relacionadas con la identidad de género, objeto de debate que se ha posicionado en los últimos años como un fenómeno social. Esta cuestión se desarrolla acuñando nuevos conceptos y dando visibilidad a determinadas minorías pero sobre todo derrocando prejuicios. Con este propósito, a lo largo de cinco jornadas se realizarán muestras de artistas referentes en la investigación y desarrollo de obras vinculadas al género.

Berdache desarrolla su discurso valiéndose de la expresión artística como materia prima y el distrito cultural de L’Hospitalet de Llobregat, uno de los focos creativos más efervescentes del panorama nacional, como emplazamiento. Este festival tiene el objetivo de dar a conocer a artistas locales, nacionales e internacionales, qué con su obra, nos invitan a reflexionar y nos regalan nuevos puntos de vista. Una programación con un alto poder de atracción para llegar a todo tipo de públicos, un espacio donde se pueda preguntar, conocer, descubrir y reflexionar, descúbrelo.

CONCEPTO

Los berdache o badea, también conocidos como los dos espíritus, son individuos pertenecientes a pueblos amerindios de América del Norte. Tenían los patrones de conducta de los dos géneros (masculino y femenino). 

Se consideraba que los berdache poseían la capacidad de desafiar a la naturaleza y eran, por lo tanto, especiales. 

Las personas consideradas Dos Espíritus ocupan un lugar singular en la cultura de los nativos americanos, equilibrando el espíritu masculino y el femenino incluso cuando introducimos términos actuales como gay, lesbiana o transgénero. Son un claro ejemplo de las ambigüedades que acompañan al género y la cultura.

EQUIPO

Elisabet Parés

Directora. Gestión cultural y Dirección artística.

Álvaro García

Dirección creativa y producción técnica.

María Castillo

Producción y comisariado.

Raquel Bargalló

Auxiliar de producción.

• Han Bing 

• Zhu Ye
• Wang XuBin 
• Roland Darjes 

Through the exhibition Pantocrator Gallery shows a small vision of contemporary art that is happening in China. All of them, emerging artists with different visual languages ​​working in Shanghai, Suzhou or Beijing. Pantocrator gallery will be showing some selected works from artists Han Bing ( China) , Roland Darjes ( Germany - China) , Wang XuBin ( China)  and Zhu Ye (China) 

Also we will have a performance from artist Enrique Barro, "All chinese except me". The artist will provide two representations, along Friday 27 at 20:00, and Saturday 28 at 13:30, with a duration of 35 minutes aproximately. With the performance, the artist Enrique Barro tries to make us understand his way of seeing things, always with a satirical humor.

Exhibition : 13th  December  2017  to 15th March  2018

Passeig de Gràcia, 52-53, Local 2, 08007 Barcelona, Spain

island6 (China) is an art collective and all artworks are produced by a team of art professionals that works in multimedia techniques mainly involving LED, interactive components, photography, video, neon, sculpture and post-contemporary paint. Liu Dao's LED art techniques draw from each member of the collective, involving actors, models, directors, choreographers, cameramen, and computer programmers. The information on the chip within the artwork is communicated by a signal passing through each LED unit, spreading like senses in the delicate framework of the human sensory system, through the physical world and into the mind. The images are presented in frames of all sizes as well as three-dimensional light towers featuring multi-surface displays.

An organic interaction between object and human is embedded in Liu Dao's interactive artworks: Shanghai's surging technological character is embraced and echoed in creations conceived in rumbling subways and high rises blinking with life in a landscape of concrete and metal that acts and reacts with resident humanity. LEDs light up with proximity, mirrors change reflections, stuffed animals speak, wooden masks laugh and videos respond to telephone calls, all through the use of light sensors, GSM modules, sonar range finders, microcontrollers, and IR sensors. Liu Dao also incorporates all the cultural and aesthetic values of traditional historical Chinese imagery.

Each artwork is a unique edition which comes with a certificate of authenticity signed and dated, attesting his uniqueness.

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Liu Dao que traducido al inglés significa “island6” es un colectivo de jóvenes talentos con sede en Shanghai. Ellos mismos dicen ser “freakies” de la tecnología, inspirados por todo lo que sea innovación e interacción de las máquinas con el individuo, produciendo arte de vanguardia desde la contemplación del futuro y del pasado de Asia.

A partir de un foro comunitario Liu Dao trabaja en torno a un arte visual, interactivo y conceptual en el que el humor y la ironía son un factor determinante en la siempre sorprendente y refrescante aplicación de las nuevas tecnologías.

Desde el inicio de Liu Dao, pintores, escultores, fotógrafos, cineastas, artistas de nuevos medios, y artistas de la imagen digital y el software, bailarines,escritores, ingenieros y curadores trabajan juntos para producir las piezas finales.

Filosofía: El espíritu y el propósito detrás de todas las obras de arte de Liu Dao, es el de la “colaboración”. El grupo hace hincapié en la interacción entre artistas, curadores y técnicos en el proceso de crear y experimentar con el objetivo de beneficiar directamente a la escena del arte emergente contemporánea de China.

Avenida Diagonal, 362. Barcelona . 4th March 2014

Pantocrator Gallery presents once again in Barcelona, a unique event with the idea of gathering for one evening to  friends, collectors and lovers of contemporary art.

Pantocrator Gallery always between Shanghai , Berlin and Barcelona invites you to spend an evening with a selection of works from the artists who have participated in our residency program "Panstage" currently still operating on the most important art center of China (M50) and other artists who work with us.

Also, take the opportunity to show our exhibition program at the Artlima Fair '14 as a pretext to discuss the art markets in the new world order , especially the rise of the South American markets and its impact on Europe as a consequence, discuss the welcome and the good results that in recent years, is taking in the Latin America section at the international exhibition of emerging art Barcelona, Swab Art Fair.

• Liu Dao (China) Video 
• Javier Martín (Spain) : Mix Media/Leather Cut 
• El Mur  ( Jin Li - Johann Büsen - Irene Cruz Vhristel Liebenber - Alexei Dmitriev) : Mix Media 
• Josafat Miranda (Perú) Illustration
• Om Barbará (Spain) Painting
• Amelia Riera (Spain) Painting
• Berto Martinez (Spain) Painting
• Juan Antonio Baños (Spain) Painting
• Gonzalo Reyes Araos (Chile) Painting /Mix Media
• Deenesh Ghyczy (Hungary) Painting
• Marianna Ignnataki (Greece) Drawing
• Jonathan Dalton (Ireland) Painting
• Luciano Benites Fuisa Lima (Brasil) Mix Media
• Samuel Sarmiento (Venezuela) Painting
• Julia Dierickx - Brax (France)  Drawing
• Anjo Bolarda (Philippines) Drawing
• Lore Vaneslande (Brusseles) Drawing
• Patsy Mcarthur (UK) Drawing
• Jonathan Marmol (Spain) Installation
• Angels Lefou (Spain) Painting
• Frederik Naebleroed (Denmark) 
• Manuel Perez (Spain)  Painting
• Ramon Lez (Spain)  Painting

 Exhibition: 22nd May to 15th June 2013

• Catherine del Bueno (USA)
• Gonzalo Reyes Araos (Chile)
• Gaby Steiner (USA)
• Laura Clemente (ES)
• Enric Sociás (ES)

Pantocrator Gallery in colaboration with Hotel Generator BCN, have the pleasure of show the video works done in the residence program “PanStage” and “Summer PanStage” 2012 that promote and organize Pantocrator Gallery.

This exhibition were showed at Pantocrator Gallery  Shanghai after Loop Festival. 

Support: video in dvd’s. 

Engravings Exhibition: 15th to 30th November, 2012    

• Amelia Riera  (Spain)

• Berto Martínez (Spain)
•  Borja Uve  (Spain)
•  Carlos Pazos  (Spain) 
• Daniel Casanoves  (Spain)
• Fran Bull  (Spain) 
• Jerome Zaroslinski  (Spain) 
• Joaquim Falco  (Spain) 
• Jordi Trullas (Spain) 
• Jorge García (Spain) 
• Josep M. Poch (Spain) 
• Julia Dierickx-Brax (France) 
• Nick Gentry (UK)
• Om Barbarà (Spain) 
•  Stephanie Costello (USA)
• Yendris Patterson (Cuba)

Pantocrator Gallery/ La Pan, presents the exhibition of prints by the legendary print workshop in Barcelona, Joan Barbara. 

Exhibition directed by Om Barbara; grandson of the famous founder, who has continued the workshop, as did his father Virgili Barbara. 

In this sample, Om Barbara shows a large number of artists, most of this city, from the veterans as Amelia Riera or the young artists like Julia Dierckx-Brax. 

The exhibition also includes prints by some of the international artists who participated in the "PanStage Residence program" managed by Pantocrator Gallery and also that once passed through the workshop Joan Barbara. 

Show: 15th November 2012

¿Te has planteado cómo sería el mundo después de un apocalipsis?

Que sería imprescindible para comenzar una nueva era, de qué forma sobrevivirías...

The sentinel at work, nos presenta su última obra en forma de ilustraciones.9 posters te dan la bienvenida a la corporación USED(United Survivors Earth Division).USED controla los pocos recursos que quedan en el planeta y a través de su propaganda nos muestra consejos y mensajes para sobrevivir en un entorno post apocalíptico.

La expo nos sitúa en una época totalmente hostil,dónde los consejos, carteles y publicaciones podrían ayudarte en un planeta tierra totalmente salvaje y peligroso.

Jordi Ponsa

Julia Dierickx-Brax (France) Paris, licenciada en Bellas artes en la universidad de la Sorbonne de Paris, expone las obras creadas durante Septiembre y Octubre en su periodo de residencia en La Pan Art Gallery.

Su obra es una mirada hacia uno de los temas clásicos en la historia del arte, el sueño, el reposo.

Endimión dormido es uno de los mitos más representados en la historia de la pintura, personaje mitológico presente en las metamórfosis de Ovideo que Zeus sumió en un sueño sin fin por petición de Selene con el objeto de visitarlo cada día. Este sueño lo mantuvo eternamente joven. De la fascinación por la vulnerabilidad, fragilidad e intimidad de la figura en reposo surge el trabajo de Dierickx-Brax, construido mediante hilos que tejen tramas y unen puntos generando dibujos tridimensionales de gran formato.

Completa la muestra una selección de dibujos que surgen de la observación del cuerpo dormido y reflexionan acerca del estado no consciente del ser humano como metáfora del sueño eterno.

Makoto (Japan) she studied exhibition and graphic design in New York, Amsterdam and Glasgow. Since 2010 she has been based in London. Makoto's work emphasizes a hands on approach; conversation and play can be considered the chief inspirations of her graphic design practice. She has worked as design assistant or intern at design studios in a variety of location including New York, Tokyo, Zurich, Berlin, Mallorca and London. Her work with designers whose design practice is independent in method, style and organisation has allowed Makoto to incorporate a variety of perspectives and approaches to design as a profession in her own work.

Exposición de nuestra artista residente la diseñadora japonesa Yamada Makoto. En esta ocasión, esta diseñadora gráfica ha preparado una muestra de diseños sin fin comercial que giran en torno a la temática del efecto mariposa. De entre sus trabajos destacan los proyectos Air/Distance, GOODD Calendar 2012, Gigantism, The Barras, Une etrangére lit L’Étranger y Generika Specimen. Una muestra de cómo el diseño puede ser funcionalmente bello. 

Collective exhibition

• Catherine del Bueno (USA)
• Enric Sociás (Spain)
• Samuel Sarmiento (Venezuela)
• Claire Murphy (Irland)
• Winston Chmielinski (USA)
• Oisín O'Brien ( Ireland)
• Takahiro Murakami (Japan)

Román Lokati (Spain) living in London. 

LOS VIAJEROS DE R.L. 

Una persona con una maleta es un misterio para quien la ve: “¿Adónde irá?” Unas figuras en el andén de una estación, en la desnudez del espacio en que las sitúa Román Lokati. “¿Adónde irán?” Viajeros pensativos, agolpados y solitarios, extraños entre sí, con undestino -provisional- en común. Con un destino -en abstracto- cabe suponer que tan diferente. Ve uno mucha soledad en estos cuadros de Lokati, nuestro embajador roteño en Londres, en la embajada de las quimeras posibles, embajador de su quimera privada.

Hay mucha soledad, ya digo, en estas figuras, anónimas en la metrópoli, hechas al ir de aquí para allá, desde muy de mañana. Las estaciones son el punto de encuentro de unos desconocidos que jamás se conocerán, que nunca se encontrarán. Personajes hechos de muchas teselas, como los de sus mosaicos. Personajes construidos con piezas muy pequeñas y minuciosas, obligadas a encajar en un todo, como la identidad, como la conciencia. Roman Lokati, con su aspecto de adolescente invulnerable al tiempo, de Peter Pan que sobrevuela el cielo londinense en busca de criaturas a las que dibujar, nos habla en estos cuadros de muchas cosas inconcretas, a la espera de que las interpretemos. Una persona con una maleta se convierte en misteriosa. Una maleta es el detonante de un misterio. Estas obras de Roman Lokati proponen la inmersión en ese misterio.

Felipe Benitez Reyes

Exhibition: 9th June, 2012

Enric Socias (Spain) Baleares: Relizador 

Stefano Razzolini: Drama

Borja Vega: Música

Mediante una articulación alrededor del fenómeno de la hipnosis y de sus distintas fases de evolución, se presenta este espectáculo bajo el formato de video-performance. 

La idea misma de alteración de la conciencia, de sugestión metódica y de hipnosis misma, se entiende como elemento cotidiano y método omnipresente, y nos sirve como telón de fondo para tejer durante aprox. 20 minutos un diálogo intenso entre expresión corporal, vídeo y música.

Gunes Oktay (Turkey) How do you cover up your intimate thoughts, feelings, urges, fantasies? Istanbul bred Gunes Oktay has a few obras that he would like to share that bring the tuna out of  the can (if you allow me to compare your alma to tuna). She mixes photography and video with canvas, paper, and installations. A quick perusal of his exploits shows that he has attempted to freeze time, display the prowess of an unmanned miniature sailboat, and show the private connection that a turtle has to a jar of honey. Now we have a chance to view what he calls his performative attitude.

My works display an abstract language formed by the fusion of my thoughts and feelings. The speed and the spontaneity of my works exposes my performative attitute on painting. This performative expression determines the difference of my material. The paper as material and as surface is harmonic with the spontaneity and fastness of my performative gesture along with my impetuously changing energy.The important thing is the performative expression of a surface as absolute energy independent of any representation and concept. In this way, I also consider my works always in a specific process

Alfred Dong (China)

LOOP Barcelona Screen Festival.  2012 

Video Installation, duration: 15 minutes.

Medium: Digital painting, text based and computer generated sound and animation.

This video project integrates an image of Chairman Mao Zedong, who is the first Chair of People’s Republic of China, with his speech to responsible cadres of the National Association of Music Workers and some other comrades which held in Beijing at 24 August 1956. As the text of Mao’s speech could be translated by the artist into other languages, audiences are able to have living experience through the screen seeing the most important man in China to presents his words of significance in English. Through animation of the still image, the artist investigates in what extend consciousness of human being could be manipulated in a pro human era where a multitude of advanced media and technologies can radically shape and filter an original event or experience.Alfred Dong was born in China.

He is an award-winning filmmaker and visual artist, Alfred was trained at USA, Italy and China. His works reflect the attitude and philosophy of human life in a global context and people's life are dominating by mainstream culture. With broad interests in various disciplines, Alfred Dong intend to use the most basic materials as the carrier of art and to generate ideas from the most ordinary behaviors such as speaking, performing and living. The most ordinary objects or behaviors in daily life thus carry powerful meaning to inspire the viewers to reflect on their own lives, decisions and attitudes which they have faced or will face.

Alfred Dong’s films were screened at USA, France and Netherland. His artworks and performance have exhibited at Bienal de Cerveira in Portugal; WRO Media Art Biennale in Poland; Hokkaido Museum of Modern Art, Japan; Moscow Museum of Modern Art; Corcoran Gallery of Art, D.C; White Box, New York; Apexart , New York; Arcade Gallery, Chicago; London, Milan,Istanbul Florence and Athens. Alfred Dong lives and works in China and USA.

Sofía Quirno (Argentina)  Buenos Aires, 1978.

Transforma la pintura en una invasión de los sentidos, y como en un

sueño que no recordamos nos deja vagas sensaciones, sus trabajos parecen

querer escapar de su propios limites bidimensionales para reclamar lo que

por derecho le es propio; un espacio real donde proyectarse en el entorno

sin límites precisos, no hay ilusión, en su obra el color se desplaza

fuera de toda estructura. Podemos entrar, literalmente, en ella;

La pintura aquí se convierte y pasa de ser una experiencia para poder ser

también un lugar, un hábitat donde uno puede elegir entrar, una puerta

abierta a nuestros sentidos.

En las obras de esta artista la pintura el dibujo y la instalación son uno.

Texto de Leonel Luna

Exhibition: 4th to 18th January, 2012

• Bi Rongrong (China)
• Lore Vanelslande (Belgium - China)
• Marianna Ignataki (Greece- China) 
• Carmen Garcia Huerta (Spain)
• Stephanie Costello (USA)
• Patsy McArthur (Scotland) 
• Freya Douglas-Morris (UK)
• Marta Blasco (Spain)
• Alejandra Alarcón (Bolivia)
• Ji Hong-Yan (China)
• Piacha (China)

La exposición "Women's lines" inaugurada en Pantocrátor Gallery Shanghai el pasado mes de septiembre, ahora en Barcelona en la sede de C/ Marina, 68.

La exposición incorpora a la colectiva a 3 artistas emergentes procedentes China.

Sus manos suaves y delicadas acarician el papel para dibujar sus expresiones, seguir a sus sentidos y manifestar la textura de su interior a través del arte. Sentimientos, momentos, dimensiones, espacios y personajes ocultos toman forma en esta nueva exposición.

El resultado de esta unión es un universo de líneas, puntos, manchas de tinta, arañazos y una interesante variedad de técnicas de dibujo.

Exhibition: October 2012.

Pol Miquel (Spain) Barcelona en 1983.

Pol utiliza como soporte el cartón y toda clase de papel como hojas de notas o tickets de restaurante insertándolas en su obra.

Sustituye el pincel por el rotulador cómo influencia de su formación en el comic y la ilustración, junto con el anime, los videojuegos y el Street Art, especialmente el graffiti. En su caja de herramientas también podemos encontrar, spray, rotulador acrílico, rotulador acuarela, bolígrafo y carboncillo.

En su técnica libre y variada encontramos desde superposición de imágenes, líneas y colores que crean un caos sin sentido y tratan la búsqueda del individuo, hasta la deconstrucción del graffiti creando líneas minimalistas cargadas de emoción y color.

El espectador está desafiado a jugar con las direcciones, a mirar y encontrar cosas que ni el propio artista conocía.

Crea un mundo muy personal cargado de deformidad, color y caos, del que intenta salir con la ilustración en las que su trazo es más limpio.

Installation exhibition: July, 2012

Curated by: Laura Lidón, Artist: Radamés “Juni” Figueroa (La Loseta), y Alia Farid (PEI-MACBA), Producción by Marlene Frontera (ELISAVA) and Amara Abdal-Figueroa (RISD).

La Loseta x La Pan is a project that stems from the need to create new alliances in order to keep expanding. It is a collaboration between two entities that share similar interests in the production of art, but differ by virtue of their respective locations.

La Loseta is an artist-run space in Puerto Rico that was initiated in January of 2011 by Radamés “Juni” Figueroa. It’s objective is to convene members of the creative class into twelve exhibitions over the course of one year, and then later create a publication that documents each event. The makeshift space sits inside the living room of Figueroa’s apartment, which he shares with two other artists who often help him install the once-a-month shows. La Loseta (meaning the tile in Spanish) gets its name from the floor-tiles that characterize the space, which also, in a sense, establishes a consistent backdrop for the exhibitions hosted.  

For the coming together of these two spaces, the organizers of this exhibition have decided to create an installation simulating the floor of La Loseta in Puerto Rico over the floor of La Pan in Barcelona. Around the space, and in the same tenor, six recreations of the works exhibited in La Loseta up until now will be on display (one for each month since it’s opening in January of 2011). Besides providing exposure for La Loseta granted its displacement, the superimposition of spaces is expected to serve as a platform for debate. Can artist-run spaces truly compensate for the lack of cultural funding? What kinds of freedoms come with self-managed spaces that otherwise may not be so tolerable in an institutionalized realm? Do we as cultural producers seek autonomy or support? 

La Loseta x La Pan is low-budget project that insists on dissemination of contemporary culture, albeit the repercussions the art world is facing due to the current economic situation. The organizers of this event are Laura Lidón (La Pan), Radames “Juni” Figueroa (La Loseta), and Alia Farid (PEI-MACBA). Our larger production team includes Marlene Frontera (ELISAVA), and Amara Abdal-Figueroa (RISD). We thank Jose Hernandez Castroda for supporting our work by funding this project. 

Please join us for the opening of La Loseta x La Pan on Friday July 15th from 7 to 11 p.m.

La Loseta x La Pan es un proyecto que nace de la necesidad de crear nuevas alianzas con el propósito de continuar expandiéndose. Es una colaboración entre dos entidades que comparten intereses en la producción de arte, pero difieren a raíz de sus respectivas localizaciones. 

La Loseta es un espacio autogestionado en Puerto Rico, iniciado en enero de 2011 por el artista Radamés ¨Juni¨ Figueroa. Tiene como objetivo convocar a miembros de la clase creativa resultando en doce exposiciones durante el curso de un año, una por mes, y la creación posterior de una publicación que documente cada evento. Este espacio improvisado ocupa el vestíbulo del piso de Figueroa, en el cual convive con otros dos artistas quienes le ayudan frecuentemente con el montaje de las exposiciones mensuales. La Loseta recibe su nombre de las losetas que componen y caracterizan al piso de este espacio, el cual desempeña la función de telón consistente sobre el cual los eventos se organizan. 

Para la unión de La Loseta y La Pan los organizadores de esta exposición han decidido crear una instalación simulando el piso de La Loseta en Puerto Rico sobre el piso de La Pan en Barcelona. Alrededor del espacio, y en el mismo tenor, habrán seis recreaciones de las obras expuestas en La loseta hasta ahora (una por cada mes desde su apertura en enero de 2011). Además de dar a conocer a La Loseta, se espera que la superposición de estos espacios sirva como plataforma de debate.¿ Pueden verdaderamente los espacios autogestionados por artistas compensar por la falta de financiación cultural? ¿Qué libertades vienen con la autogestión que a lo mejor no son tan tolerables en un ámbito institucionalizado? Nosotros, como productores culturales, buscamos la autonomía o el apoyo?

La Loseta x La Pan es un proyecto de bajo presupuesto que insiste en la diseminación de cultura contemporánea, a pesar de las repercusiones que afronta el mundo del arte debido a la realidad económica actual. Los organizadores de este evento son Laura Lidón (La Pan), Radamés “Juni” Figueroa (La Loseta), y Alia Farid (PEI-MACBA), y nuestro equipo de producción incluye a Marlene Frontera (ELISAVA) y Amara Abdal-Figueroa (RISD). Queremos agradecer la colaboración de José Hernández Castroda por su aportación financiera a este proyecto, también a la cerveza Moritz que proporcionará cerveza para el día de la inauguración.

El músico americano Gregor Manface murió en el año 2021, comido por los coyotes mientras andaba sólo en el desierto Mojavi.

La banda que lleva su nombre honra su memoria con interprertaciones de sus canciones, una mezcla única de folk y rock indie.

Freya Douglas-Morris (UK) 1980, lives and works in London. 

She studied Fine Art at Brighton University graduating in 2002.

The paintings Freya makes are a reaction and response to places she has either travelled to, or imagined. 

She make trips to various landscapes, to document them through photography and drawing, later returning to her studio in London to create images that are built up through several layers of thin oil glaze. None of her paintings are intended to be topographical. 

Instead they are an overlaying of various images and landscapes, to create fictitious scenes that attach no specific memory, rather a feeling of universal familiarity, much like a dream.

During her residence in Barcelona, Freya will visit the landscapes just to the North of the city, ruturning to Pantocrator to create a series of paintings derived from this documentation.

• Li Wei (China)
• Liu Dao (China) 
• Homenaje  Guy Bourdin 

Colective Exhibition, April 2011

Berto Martínez, Cristian G. Castellón, Pau Bonet, Nil Bartolozzi, Maria López, Anna Rubio, Mademoiselle Chloé, Aida González Subirà, Mercedes Valgañón, Kikayis, Cristian Blanxer, Diego Muñoz, Ernest Rupérez, Guibo, Adrià De Yzaguirre, Glem, Amaia Arrazola, Nube, Monsieur Álvaro Pinacho, Manifesto79, Dourone, Jalón, Crajes, Hector Olivares, ConspiracyStudio, Máximo Tuja, Ibie, Maria Diamantes, Conrad Roset, Hamo Studio & Ina Fiebig.

This is our first Reskate exhibition. 31 illustrators and plastic artists united in order to act upon previously restored boards. Closing party and acoustic concert by the band from Barcelona The Destroyed Room.

Reskate! is a project by the versatile group from Barcelona Reskate Arts & Crafts. It is born with the intention of rescuing that skateboard you abandoned where you left your teens behind, that didn't resist your last trick or it's just rotting in your balcony. Reskate is an idea both simple and romantic that seeks restoring your old skateboard into a brand new mini long. Again. With such purpose, Reskate staff recollect abandoned boards which once reshaped are delivered to either acclaimed or novel illustrators. They reuse them as the legitimate support of artistic expression they always were. This way, we get a limited and unrepeatable edition. If it makes you go skating again, you'll make its creators happy. The result is so exciting that it's worth it giving the skateboard a second chance. Relive it.

This project has come to light thanks to the valuable collaboration of every rescuer, the collaborating shops, as well as the copywriter Juan Fernández, the proofreader Ander Isuskiza and video assistance of Ona Campillo and Xavi Daura.

Artists Rescuers:

Berto Martínez, Cristian G. Castellón, Pau Bonet, Nil Bartolozzi, Maria López, Anna Rubio, Mademoiselle Chloé, Aida González Subirà, Mercedes Valgañón, Kikayis, Cristian Blanxer, Diego Muñoz, Ernest Rupérez, Guibo, Adrià De Yzaguirre, Glem, Amaia Arrazola, Nube, Monsieur Álvaro Pinacho, Manifesto79, Dourone, Jalón, Crajes, Hector Olivares, ConspiracyStudio, Máximo Tuja, Ibie, Maria Diamantes, Conrad Roset, Hamo Studio & Ina Fiebig.

Video here

Music concert for the finissage of the exhibition by Reskate

Stephanie Costello (USA) N.Y.

Presenta por primera vez en Europa el trabajo realizado durante los meses de enero y febrero en las instalaciones de La Pan Art Gallery en Barcelona. Su trabajo es una reflexión sobre la arquitectura de Barcelona y su visión particular plasmada a través del lápiz, bolígrafo y rotulador sobre papel.

A través de sus dibujos, Stephanie nos comunica las emociones generadas durante su investigación sobre la arquitectura y el alma de la urbe mediterránea, descubriendo a cada paso que da por la ciudad condal durante su investigación en los diversos espacios que Barcelona ofrece.

Desde las amplias vistas frente al mar, hasta los más escondidos rincones del barrio Gótico y Ravál o los paseos modernistas de L'Eixample, la artista nos ofrece una visión nueva y emocionante en su obra gráfica, producto de las sensaciones internas que le inspira el espacio diverso y rico en historias.

Un diálogo entre el asfalto, piedras medievales, grafitis, molduras, trazos y una artista sensible que nos regala la conclusión de su experiencia durante su residencia en La Pan Art Gallery.

Show:  26th February, 2011 

Guillermo Rizzotto, Adriano Galante, Timothy B. Layden, Pablo Schvarzman, Pablo Selnik, Vasco Trilla, Carola Ortiz, Pablo Gimenez, Mariano Camarasa, Luifer Guirados, Dimitris, Kaze Shingo, Michel Miralles ..

El proyecto "Musicians: The Gallery" se plantea la resolución de los siempre interrogantes. El origen del dilema de la armonía. Desde dónde se escucha, hacia dónde se toca. El cómo de la transmisión, del contacto, del diálogo entre oyente y ejecutante, la existencia de tal relación. El discurso de las distancias entre ruido y silencio. La interacción de artistas de diferentes culturas, estilos, intenciones y aspiraciones. La inclusión del "objeto músico" como una obra de arte en sí misma.

Durante tres horas, un numeroso grupo de músicos y artistas son expuestos a investigar los límites del sonido y el arte en una improvisación constante sin director y en todas direcciones. El visitante está invitado a pasearse por la galería, bien a taparse los ojos con una cinta, bien a observar las cualidades, formas de cada uno de los intérpretes; acitudes, gestos, a cambiar su perspectiva de forma continua, a elegir su rincón sonoro y sentarse durante el tiempo que desee en el sitio que desee. Salir a fumar y regresar.La música será constante en el lapso de dos horas y media donde la idea del "concierto" y el músico como eje discursivo , asi como también la valoración cultural de la" obra de arte" en una pared o en una instalación se ponen en crisis haciendo arte. 

Nick Gentry (UK) graduate of Central St Martins and has exhibited in the UK, USA and Europe. As part of a generation that grew up surrounded by floppy disks, VHS tapes, polaroids and cassettes, he is inspired by the sociological impact of a new internet culture.

His portraits use a combination of obsolete media formats, making a comment on waste culture, life cycles and identity. Using old disks as a canvas, these artefacts are combined to create photo-fits and identities that may draw connections to the personal information that is then forever locked down underneath the paint.

This has led to an exploration of the ways in which humankind is integrating

with technology. As it reaches a tipping point, this new movement is becoming increasingly apparent as an important cultural and social transition of our time. Will humans be forever compatible with our own technology?

Exhibition: 19th to 21st December 2010

Malarchi (France) organiza cada año exposiciones en diferentes ciudades Europeas con dos objetivos: Haceros testigos de los proyectos de arquitectura social que desde hace dos años desarrollamos en Malawi, país reconocido por OECE como uno de los más pobres del mundo.

E intentar conseguir el presupuesto necesario para el próximo proyecto.

“How much does your building cost, Mr. Flecher?” ilustra cómo con un presupuesto relativamente bajo y mucho entusiasmo, se puede dar respuesta a la necesidad de toda una comunidad, rompiendo con la idea occidental de arquitectura privativa.

En 2008 Malarchi construyó un Teatro para la escuela por 650€, en 2009 un centro de prevención del VIH por 3.000€.

Mr. Flecher, director de una organización local de Kasupe Ministries, Malawi, nos transmite cada año qué infraestructura necesita la comunidad. Su propuesta para nuestro próximo proyecto ha sido la construcción de un puente para hacer accesible la escuela de secundaria durante la época de lluvias.

La forma que utiliza Malarchi para subvencionar los proyectos se salta los trámites burocráticos y administrativos ordinarios que normalmente entorpecen el trabajo de organizaciones solidarias.

Mostramos resultados reales para que tú decidas si podemos desarrollar el próximo reto mediante la adquisición de una de las fotografías.

Acércate a descubrir esta realidad y esta forma directa de intervenir.

PROGRAMACIÓN

-Domingo 19 de Diciembre 2010: 19h Inauguración Exposición Malarchi 3.

-Lunes 20 de Diciembre 2010: 19h Workshop Danza Africana

por Ana Carolina García Gómez

-Martes 21 de Diciembre 2010: 20h Presentación de los proyectos de Malarchi por su fundador Guust Selhorst.

-Miércoles 22 de Diciembre 20h Documental Malawi: “I AM BECAUSE WE ARE”

director: Nathan Rissman; productor: Madonna

comentarios por Fletcher Padoko

Fashion Illustration Exhibition: 9th to 18th December 2010

• Berto Martínez

• Carmen García Huerta
• Luis Manteiga
• Jose Luis Merino
• Chidy Wayne
• Conrad Roset
• Agentemorillas
• Garland Coo
• Micocotte
• Jorge Sanchez (kreativakollective)
• Omar Vite (Peru)
• Gloria Llado
• Sonia Pulido

Jueves 9

17.00-23.00h 

• Rat Dextrino Dj + Bar.

Performance Anfashion “post it girl” .

Viernes10

12.00-22.00h Muestra ilustración.

18.00-22.00h Special Videos/Promo + Video/Docu

+ Rat Dextrino Dj + Bar.

Jose Morraja, Potipoti and Machines Désirantes, Roberto Piqueras, Sthephane Manel, Carine Brankowitz, Berto Martínez, Sergi Botella

Sabado 11

12.00-23.00h muestra ilustración.

19.00-23.30h Arturo Manuel Vs E kha Ese, Special night + bar.

Domingo 12

12.00-22.00h muestra ilustración.

12.00-22.00h ShowRoom colectivo+ dj + bar.

Muestra y venta de ropa y complementos de los diseñadores:

Rat Dextrino, Toormix, Potipoti, Gloria Llado, Chidy Wayne, Chuso Ordi, Luis Manteiga, Herokid, Ecectic Wellsom, Iván Maestre y más..

Lunes 13

12.00-20.00h muestra ilustración

20.00-22.00h Cineclub “Pret a Porter” + bar.

Martes 14

12.00-20.00h muestra ilustración

20.00-22.00h Cineclub “Qui êtes-vous,Pollo Magoo? + bar.

Miércoles 15

12.00-22.00h muestra ilustración.

17.00h taller + music bar.

Jueves 16

12.00-22.00h muestra ilustración.

Special Videos/Promo + Video/Docu

+ Rat Dextrino Dj + Bar.

Jose Morraja, Potipoti and Machines Désirantes, Roberto Piqueras, Sthephane Manel, Carine Brankowitz, Sergi Botella ..

Viernes 17

12.00-22.00h muestra ilustración.

21.00-21.30h live-performance Petra Flurr special guest Lola Von Dage.

22.00-23.00h Petra Flurr dj set.

Sabado 18

12.00-22.00h muestra ilustración

18.00-23.30h Luis Manteiga Special night :

performance "Sayat Nova;poemë" David Quincoces

+ dj + bar.

Exhibition: 18th to 30th September, 2010

Miranda Clark (USA)

An exhibition of creating and recreating narratives with pop songs, chandeliers, and castles while trying to find love. The vernissage will feature an evening of karaoke: ballads only.

photographs, karaoke

2010 , installation

A chandelier constructed from pieces collected over three years, assembled without perfection or symmetry. First installed in the Black Forest in Germany, it has been re-imagined for this Barcelona abandoned castle. 

'my heart someday'

2010 , video

A smiling man's torso dances slowly back and forth on two monitors set to classic songs about love: one a fairytale sugary confection + the other a pop ballad about the heart moving on. Both are hopeless. 

'the promise of another night'

2010 . photographs, letters

A love letter was requested. One was written. But this letter which has been installed at the same castle as the chandelier was never sent to its intended love. A story of something once beautiful, it belongs in a place that was once grand. 

Sward (Spain) 

31st July, 2010 

Con motivo de la reciente apertura de Pantocrator Gallery (La Pan) y tras su paso por el Primavera Sound, el sexteto de folk experimental Seward da un paso más en su forma de entender el directo.

Un sexteto que se sitúa en la búsqueda permanente de las fronteras de lo conocido como canción. Es por ello el proyecto más arriesgado, en el que los intérpretes se fugan de la estructura tradicional, caminan al borde del abismo y se acercan a la desintegración de lo que comúnmente se llama música. Seward aúna manipulación eléctrica, contrabajo, batería, piano, guitarra, banjo, cello y voz. Más allá de los géneros y más lejos todavía de las redes. Una apuesta exclusiva por el directo. Un ejercicio arriesgado y, por ello, más valioso por su osadía. Interludios inconexos combinados con instantes de esa intensidad dolorosa que sólo los verdaderamente grandes consiguen. Su primer álbum, Home, será publicado en cinco fragmentos únicos. La música que un niño toca por primera vez y con la misma que el viejo se despide antes de morir.

Video Art Festival exhibition: 14th to 22th May, 2010

LOOP BARCELONA ! 2010

• Kate Burnet and Dan Woerner (USA)
• Guy Hundere (USA) 
• Laura Clemente (Spain) 
• Rhododdendron (Sweden)

Kate Burnet and Dan Woerner (USA) N.Y

 Kate Burnet and Dan Woerner live and work in Long Island City, NY and the desert of west Texas on the Terlingua Ranch. They make videos, installations and sometimes objects that graft our memories of the past and our prospects for the future from fragments of pop culture and other detritus. They are interested in creating environments that change our sense of reality while displacing us bodily as well as telling stories that are as old as dirt. As collaborators in art and life, they attempt to make their work not about the compromises that are customary between two or more individuals who artistically create together but about a situation where collaboration itself takes over and becomes the third party which is truly present and primary.

Guy Hundere (USA) Texas

Currently working with video and animation, Guy Hundere is animated forms - even when not representing living things - have something strangely living about them. They feel and think and breathe invisibly, as if built around some kind of physiological structure.

Guy Hundere, originally from Texas, lives and works in Germany. He has exhibited widely in the United States and in Europe.

Laura Clemente (Spain) Murcia

His works originate from stimuli such as are the emotions, passions, love, healing, philosophy, symbolism always looking in nature and aesthetic beauty, presenting a mix of theatrical performance, classicism and experimentation own image. As a result of their work has a profound therapeutic effect.

Rhododdendron (Sweden)

Linda Blomqvist, Sepidar Hosseini, Madeleine Lindh, Colette Wuolikainen.

Rhododdendron is a group of interdisciplinary artists. We are 4 women, all from Sweden, who created a Dance film/ Video art. This film is made of 8 different personal pieces, combined into a film called BODYMAP.

BODYMAP: For you who doesn't understand. This is a Dance film installation. It's called BODYMAP. First the body remembers. Later the mind. The scars and the touches becomes traces of memories in the skin. And the damages becomes memories like a map, of your own body. BODYMAP are Our memories.